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Entrevista a Manolo Laguillo (taller 13 febrer 2010)

Manolo Laguillo (Clara Laguillo, 2005)Manolo Laguillo és una de les figures cabdals de la fotografia actual al nostre país. Nascut a Madrid l’any 1953, Laguillo exerceix com a catedràtic de fotografia a la Facultat de Belles Arts de Barcelona.

També en el terreny de la pedagogia de la tècnica i la pràctica fotogràfica, és autor de diversos llibres: El Sistema de Zonas: Control del tono fotográfico (PhotoVision, Utrera 1988, 1991, 1993), encara ara l’únic text original en castellà sobre el sistema de zones; ¿Por qué fotografiar? Escritos de circunstancias 1982–1994 (Mestizo, Murcia, 1995), on presenta de forma asistemàtica la seva teoría de la fotografía i del que podeu llegir un fragment aquí; Fotometría. El control de la exposición i El Gran Formato. La cámara descentrable y la gestión del espacio (GrisArt, Barcelona), publicats simultàniament l’any 1999.

Des dels començaments de la seva carrera a l’any 1976, ha realitzat més de 40 exposicions individuals i ha participat en més de 60 col·lectives, de les que cal destacar Open Spain (1992, Museum of Contemporary Photography, Chicago, i Jardín Botánico, Madrid, amb itinerancia per EE. UU. i Espanya) i Cuatro Direcciones (1991, Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, amb itinerància per Espanya, Europa y Amèrica).

L’obra fotogràfica de Manolo Laguillo és present en diverses col·leccions privades d’Europa i Amèrica així com a la Biblioteca Nacional Francesa, París; CAC Granit, Belfort (Francia); FRAC Lyon (Francia); Museu del Paper, Capellades; Consejo Mexicano de la Fotografía, México D.F.; Arxiu d’Art Contemporani, Terrassa; Xarxa Cultural, Barcelona; Fundació Joan Miró, Barcelona; IFEMA, Madrid; Diputación de Zaragoza; Port Autònom de Barcelona; Patronato de La Alhambra; IVAM, Valencia; Fund. Arte y Tecnología (CTNE); Colección Pública del Ayuntamiento de Alcobendas (Madrid); MNAC, Barcelona; MNCARS, Madrid.; Colección Pública del Ayuntamiento de Alcorcón (Madrid), MACBA, Barcelona.

Tanmateix, ha intervingut com a conferenciant en nombrosos seminaris, congressos i reunions sobre art i fotografia, tant a nivell nacional com internacional, i ha impartit prop d’un centenar de cursos i tallers sobre tècnica i conceptes fotogràfics.

El nostre company Joan Porredon (ZonePlate) ha tingut l’oportunitat de fer-li una entrevista molt interessant, en la que  Manolo Laguillo comparteix amb nosaltres les seves idees i reflexions al voltant de l’activitat fotogràfica.

Aquest és un magnífic tast previ del que serà el proper taller organitzat per espaifotografic, que versarà sobre la creativitat en fotografia. A falta de concretar alguns detalls, us podem avançar que aquest taller es celebrarà el dissabte 13 de febrer. Podeu fer la vostra preinscripció (que haureu de formalitzar més endavant fent el pagament) a tallers.ef@gmail.com per tal de tenir la plaça assegurada.

L’entrevista

EF: Manolo Laguillo és una referència indiscutible per qui ha tingut inquietuds fotogràfiques abans de l’era digital, però fotògrafs novells potser no saben massa de qui estem parlant. Com et presentaries a les noves generacions?

ML: La fotografía es para mi una vocación. Llevo treinta y cinco años dedicándome a ella con pasión y fanatismo, y es mi manera de relacionarme con el mundo, de conocerlo, de apreciarlo, y de construírmelo. En todos estos años ha habido de todo: desde épocas en que no he tocado la cámara, pero a cambio he escrito sobre fotografía, hasta temporadas en que sólo he hecho fotos. Pero lo que siempre ha estado presente es la enseñanza, que para mi es la manera de contagiarle a la gente mi pasión. Al cabo de tantos años lo que enseño es, evidentemente, algo muy depurado, muy concentrado.

EF: Quin són els teus referents fotogràfics i en quin moment de la teva vida prens consciència que vols ser fotògraf?

ML: Supe muy pronto que quería ser fotógrafo. Y, tras un periodo inicial de autodidactismo, tuve la suerte de toparme con maestros excelentes, como Lucho Poirot y, sobre todo, Humberto Rivas. Humberto acababa de llegar a España, eran los años de la dictadura en Argentina, su país. Él me enseñó un método, y a ser cuidadoso y ordenado. Prolijo, como él decía.

Fotografia de Manolo LaguilloEF: Ets professor de fotografia de Belles Arts. Tens llibres publicats que són manuals de referència tècnica. Tècnica i Art són imprescindibles per aconseguir una bona fotografia?

ML: Claro, porque la técnica sin el arte no emociona, no dice nada. Y el arte sin técnica es ineficaz, no llega. ¿Cómo saber lo que se puede decir si no se sabe cómo decirlo? Pero conviene tener en cuenta que esta distinción entre el qué y el cómo es en el fondo bastante artificial, que hacemos en aras de la pedagogía, porque lo que se dice y el cómo se dice son dos aspectos de lo mismo. A la hora de la verdad nadie diferencia entre lo uno y lo otro.

EF: Passar de la docència tècnica a la docència creativa, com fas el canvi de xip, si és que hi ha hagut canvi?

ML: Yo creo que siempre he procurado tocar ambos aspectos. Pero sí que es cierto que cuando empecé estaba más centrado en torno a lo técnico en el sentido estricto del témino. Era lo que más me preocupaba en esos años, y también era lo que más nos interesaba a todos. Pero, si lo pensamos bien, el aspecto ‘creativo’, por llamarlo de algún modo, también es una cuestión técnica, sólo que en un sentido lato de la palabra. O sea, que lo único que ha pasado es que he ampliado el sentido del concepto ‘técnica’.

EF: Tens una conclusió clara del que és per a tu la fotografia?

ML: Sí, creo que sí tengo claro qué es para mi la fotografía, pero es importante subrayar ese ‘para mi’.

EF: Quan tens una fotografia a les mans (o a la pantalla de l’ordinador) sabries definir que és el primer que busques?

ML: En un 60-70% de las ocasiones sé qué quiero, pero por suerte queda un 30-40% en que voy bastante, o totalmente, perdido. Me explicaré mejor. Hay fotografías que hago sabiendo qué quiero conseguir ya desde el primer momento, antes incluso de echar mano de la cámara. Pero también hay otras que hago sin saber por qué, un poco porque sí, y que luego, al cabo del tiempo, se explican. Estas fotografías me interesan muchísimo. Son el anuncio de lo nuevo, de lo imprevisto.

EF: Com acostumes a gaudir més: veient una fotografia teva acabada o en tot el procés que has fet per arribar-hi, o sempre?

ML: La fotografía acabada en realidad no existe, en esto radica una de las grandes diferencias entre la fotografía y la pintura. Toda fotografía acabada, toda copia, es susceptible de ser cambiada, días, meses, años más tarde, por quien la hizo o por otra persona. Pero en un sentido aún más general toda fotografía quiere ser completada por otras más, las pendientes de hacer y las ya hechas. Lo maravilloso de las grandes obras, que todos admiramos, es que poseen a la vez el significado de lo particular, la atención al detalle, al ladrillo, a la fotografía individual, y el sentido de lo general, de los grandes trazos de la construcción, del conjunto de fotografías. Atender a tantas cosas requiere mucha concentración.

Fotografia de Manolo LaguilloEF: Actualment, tenim més tendència a fer i després reflexionar sobre el que hem fet i abans, potser, la reflexió prèvia era gairebé imprescindible. Hi estàs d’acord en aquesta afirmació? Creus que el fet digital (no només la fotografia) suposa més experimentació que no pas reflexió?

ML: Creo que las cosas no han cambiado si como ‘reflexión previa’ te refieres a la planificación, que sigue siendo imprescindible sea cual sea el tipo de trabajo, el experimental incluido. Pero también es verdad que, como la fotografía digital permite revisar inmediatamente lo hecho, podemos sentirnos tentados de ‘abandonarnos’ a la improvisación. Y aquí es donde debemos aprender de los músicos, que son capaces de improvisar sólo tras miles y miles de horas de práctica y estudio. De hecho, y si somos rigurosos, esa revisión tan inmediata que permite lo digital, y que es la que presuntamente nos llevaría a improvisar, la que nos permitiría experimentar, en realidad supone un corte del ‘flujo improvisatorio’, porque interrumpe nuestro contacto con la escena.

EF: Hi ha persones convençudes que fer fotografia digital és molt més fàcil que amb suport químic, però si fem un inventari de les eines necessàries per produir imatges en un suport o en un altre, ens en surten moltes més en digital. Tenir més eines vol dir tenir més possibilitat de control sobre el resultat final i això requereix més coneixements tècnics. Sembla ser que, a causa de la major complexitat tècnica, a les escoles s’aprofundeix més en aquests coneixements en detriment de la creativitat. Penses que és així?

ML: La fotografía, como medio técnico que es, tiene un ‘índice de impenetrabilidad’ realmente notable, pero eso ya desde su nacimiento. O sea, que es un dispositivo que no necesitamos saber cómo es por dentro para poder manejarlo bien. Pero lo mismo pasa con todo lo que nos rodea (coche, televisor, teléfono, ascensor, lavadora…). Y si la fotografía es ahora digital es porque el ahora lo es. Y la verdad es que lo digital es aún más impenetrable que lo analógico: o sabes algo de física, o vas listo. Quizá sea justamente eso, física, lo que deberían enseñar en las escuelas. Y como es más impenetrable la industria se esfuerza en que la interficie sea lo más sencilla posible. Pero en realidad es más oscura que la ya de por si misteriosísima fotografía ‘a la plata’. No, la fotografía digital no es más fácil, es más difícil. Y la ‘interrupción’ a la que antes me refería complica aún más el asunto, porque impide la concentración.

También ocurre con la técnica en sentido estricto algo bien curioso: se constituye en una estupenda justificación para ‘marear la perdiz’, para distraerse de esas otras cuestiones, las creativas, que son también muy importantes y que por eso no deberían desatenderse, pero que, como cuestan más trabajo, se tienden a negligir.

Lo diré de otra manera: además de técnica hay que aprender a ver, a organizar el espacio, a gestionar la propia respuesta emocional, a distanciarse del propio trabajo, a prever la posible respuesta del público.

Fotografia de Manolo LaguilloEF: Estàs d’acord en què, com podria ser en les relacions personals, a la relació fotògraf/fotografia sovint li falta “química”?

ML: Sí, es verdad, en la fotografía digital no hay calor.

EF: Parlem d’art i fotografia. Quin plus ha de tenir una fotografia per a ser entesa com a art?

ML: Debe trascender el mero plano de la reproducción, para constituirse en representación, en emblema, en símbolo, pero sin dejar de ser una reproducción. Ser y no ser.

EF: A fires d’art com ARCO cada vegada hi té més presència la fotografia. He vist moltes fotografies impactants amb una tècnica molt discutible (dir això també és discutible) però amb una gran càrrega artística. Hi ha artistes que s’atreveixen a agafar una càmera fotogràfica per expressar-se. Potser no controlen del tot la tècnica però ho superen per l’entrenament del seu ull i la seva percepció, d’aquí el fet imprescindible, per a ells, de poder mirar instantàniament el resultat de la fotografia. Un d’ells em va dir que la pintura tenia molt més valor perquè era imprescindible dominar la tècnica per arribar a expressar alguna cosa mentre que en la fotografia no era necessari i això quedava palès a ARCO. Com ho valores això?

ML: Quien dice eso se deja engañar por la facilidad de uso que posee la interficie situada entre la fotografía y quien la maneja. Y se olvida de que emplea la fotografía partiendo de una situación de ventaja con respecto a millones de usuarios que no se han ‘cultivado visualmente’. Su educación le lleva a concentrarse en lo importante de la fotografía. Tampoco tiene en cuenta que hacerse con una educación visual a base de emplear la fotografía en lugar de la pintura es casi tan largo y arduo, e igual de difícil.

Lo que se hace evidente en ARCO es una tendencia estilística que viene marcada por un cierto modo, bien particular, de usar los materiales, y que depende directamente de lo que ofrecen ciertos laboratorios de tiraje y acabado. Hay aquí un academicismo, una escolástica, qué duda cabe.

EF: Penses que es bona la multidisciplinarietat en el món de l’art?, o no deixa de ser una altra de les manifestacions de la polivalència que, cada vegada més, se’ns exigeix a tothom?

ML: No es buena ni mala, cada persona tiene que saber qué le conviene. Es parecido a la enorme oferta que tenemos gracias a ¡Lo digital! Cómo la usemos es cosa de cada uno.

EF: A tu també t’apassiona la música i la practiques quan tens oportunitat tocant el llaüt. És un complement només personal o penses que també t’ajuda a la practica de la fotografia?

Gracias a la música he podido entender mejor qué ocurre con la creatividad. Los músicos profesionales se preparan para un concierto a lo largo de meses y meses, y ello tras haber estudiado desde la infancia, y teniendo mucho talento. El concierto dura 1 ó 2 horas, y a veces ‘hay duende’, como dicen los flamencos. El músico sabe que eso es un regalo que sólo tendrá si previamente se ha preparado a fondo y sin dejar fisuras. Puede que, a pesar de esa preparación, el regalo no llegue.

En la buena música hay orden, y hay un empleo interesantísimo de ciertos elementos, en el fondo siempre los mismos. Y hay cuestiones de narración, de exposición. Al músico le preocupa mantener al público interesado, despierto, para de vez en cuando sacudirlo, emocionarlo, conmocionarlo. Son problemas que también tenemos los fotógrafos.

EF: On és la inspiració?

ML: Los antiguos creían que venía de los dioses. Yo estoy de acuerdo. Pero es importante que cuando llegue te pille con la cámara en la mano.

EF: La fotografia d’arquitectura requereix uns coneixements molt específics i unes eines molt concretes afegides a les habituals. Això fa que el fotògraf d’arquitectura sigui gairebé d’una “raça” diferent?

ML: La fotografía de arquitectura es un híbrido: posee tanto elementos del reportaje de calle como del bodegón. Pero es preciso que te interese la arquitectura, claro está.

EF: La fotografia d’arquitectura s’hauria d’apropar més a la fotografia documental que a la creativa o artística? O una cosa no treu l’altra? Una fotografia d’arquitectura on s’evidencia massa la personalitat del fotògraf, és una mala fotografia d’arquitectura? O és que estem davant d’uns dels grans tòpics de què aquesta disciplina fotogràfica “només” és tècnica pura i dura?

ML: Cuando trabajas para un arquitecto estás a su servicio, y debes quedarte en un segundo plano. Pero esto que acabo de decir se matiza con lo siguiente: igual que hay muchas maneras de hacer arquitectura, también las hay de fotografiarla. O sea, que cada arquitecto debería tener su ‘fotógrafo de cabecera’. Cabe pensar en un arquitecto que necesite un ‘fotógrafo artístico’, y en otro que necesite uno más ‘documental’. Aunque, en el fondo, tampoco sea del todo verdad que podamos marcar una frontera nítida entre lo artístico, por un lado, y lo documental por el otro.

Pero la fotografía de arquitectura no es sólo la de las obras ‘con nombres y apellidos, también está la arquitectura anónima, la mostrenca, la de autor desconocido, la que resulta de un largo proceso de reformas, cambios, acumulaciones sobre el proyecto original. Y finalmente está la ciudad, el objeto más grande que existe.

EF: Afrontes una escena de la mateixa manera quan treballaves amb pel·lícula que avui amb suport digital?

ML: Sí, para mi no hay diferencia alguna. Perdón, sí que la hay: ahora me obligo a no sentir tanto el constreñimiento de la cantidad limitada de película. Tengo tan interiorizada la idea de ahorrar que debo forzarme a hacer más de un ‘fotograma’ por punto de vista. Pero me sigue gustando hacer pocas fotos, no sólo porque luego es más fácil elegir, sino porque suelo ir directo al sitio que quiero, sin dudar apenas.

EF: Quina va ser la teva primera reacció quan vas veure que amb un ordinador podies corregir la perspectiva d’una fotografia?

ML: ¡Me entusiasmó! Pero a pesar de eso tengo -y uso- dos objetivos desplazables, el 24 y el 45. ¿Por qué? Por lo de siempre: para hacer la mayor parte de la fotografía ‘in situ’.

EF: Si uses un programari, com el Photoshop, com el conceps? com el fas servir? Quines eines trobes imprescindibles i quines no?

ML: Lo uso a un nivel muy primario. Revelo el RAW, procurando concentrar en esa primera fase el máximo de asuntos (balance de blancos, tinte, exposición, luces y sombras, contraste, luminosidad, color…). Luego corrijo las aberraciones geométricas con el plugin LensFix. A continuación elimino las pocas manchas que pueda haber por culpa del polvo sobre el sensor y ajusto curvas. Finalmente le aplico algo de enfoque. Tengo bien calibrado el proceso y no suelo encontrarme con sorpresas a la hora de imprimir. No empleo casi nunca máscaras. Y si tengo que hacer copias muy grandes interpolo hacia arriba con el plugin Alien Skin Blow Up, que da resultados asombrosos.

EF: Creus que és realment comparable el Sistema de Zones amb una fotografia digital HDR?

ML: Sí, porque se trata exactamente del mismo problema: hay escenas que ‘no caben’ en el material.

EF: No sé si vas al futbol o en altres manifestacions massives, però si estiguessis a la tercera graderia d’un camp de futbol i al teu costat hi ha una persona amb una càmera que aprofita l’ocasió per a fer una fotografia del llançament d’una falta activant el flash. Quina seria la teva actitud, no li faries cas perquè entens que el resultat de la fotografia el portarà a pensar si fa bé o no, o intentaries donar-li una explicació improvisada per millorar la imatge que vol fer?

ML: Depende. Si a lo largo de las dos horas que dura el partido se llegase a establecer un contacto, quizá al final le diría que el flash no le sirve para nada. Muchas veces las fotos se hacen para liberar tensión, para cultivar la ilusión de que se domina la situación. Yo, por desgracia, no dispongo de ese recurso: es la desventaja de ser fotógrafo.

EF: A un xaval de 8 anys que et manifesta que vol ser fotògraf, quin seria el teu primer consell?

ML: No le aconsejaría nada si él no me pide primero que lo haga. Le prestaría toda mi atención, y de paso procuraría aprender de su frescura.

EF: I si aquest xaval te 40 anys?

Que se imagine a si mismo teniendo 8 años.

EF: El proper dissabte 13 de febrer, organitzat per EspaiFotogràfic, tindrem el gust de gaudir d’un taller de creativitat amb tu com a professor. De cara als indecisos a participar a un taller com aquest, quines paraules els adreçaries per estimular-los a venir al taller?

ML: Soy un acérrimo defensor de la enseñanza cara a cara, sobre todo en algo tan físico, tan corporal como la fotografía. La enseñanza a distancia puede que funcione en disciplinas predominantemente intelectuales, pero para aprender fotografía no hay nada que pueda sustituir el ver cómo trabaja alguien que lleva dedicado a ella desde hace mucho. Es inevitable que con los años se acabe llegando a una actitud corporal, a una gestualidad, a una economía en los movimientos, que se perciben sólo cuando se está en presencia del que es ducho en la materia. Estoy refiriéndome a cosas que no se dejan describir con palabras, y que apenas cabe registrar en vídeo.

Pero además de esta cuestión del aprendizaje del oficio por vía de la imitación –que en el fondo es la mejor manera de aprender–, está la inyección de motivación, el empuje, la marcha, que todo taller, cursillo o seminario te aporta. La creatividad no cae llovida del cielo, que unos tienen y otros no, sino que es algo que puede cultivarse. Hay técnicas para estimularla, liberarla y potenciarla. Y son técnicas que podemos aprender.

 

Comentaris

Font RSS dels comentaris13 comentaris a “Entrevista a Manolo Laguillo (taller 13 febrer 2010)”

  1. Realment es una persona que es fa escoltar. Vaig anar juntament amb en Porredon i en Foster a demanar-li si ens volia fer el taller. Tots tres vàrem quedar envadalits de tanta sapiència i de lo be que transmet, estic segur que es el que es podria anomenar un “seductor”.

    Valdrà molt la pena aquest taller.

  2. Fantàstica entrevista Joan, de fet penso què has preguntat tot el què volíem saber d’en Manolo.

    Salut

  3. doncs per mi també és un referent de fotografia, sobretot urbana, l’arquitectura com la tracta.
    salut